El ballet es una danza cuyo orígenes se
encuentran en el Renacimiento Italiano, durante los siglos XV y XVI.
El ballet se explayó
desde Italia hasta Francia con la ayuda de Catherine
de’ Medici, donde el ballet se desarrolló aún más bajo su influencia aristocrática.
Un ejemplo del trabajo expuesto por Catherine se capturó en la pieza llamada Le Paradis d’ Amour. Esta pieza fue presentada en
la boda de su hija, Marguerite de Valois y Enrique de Navarre. El dinero
aristócrata era el responsable de las etapas iniciales del desarrollo del
ballet de corte.
La literatura y la
música utilizada en el ballet tenían como fin entretener principalmente a los
aristócratas de la época. En 1573, se llevó a cabo la primera puesta en escena
del la primera pieza del ballet de corte, cuyo nombre fueBallet des Polonais. Esta pieza
fue llevada a escena por Catherine de’ Medici en honor del embajador polaco que
estaban de visita en París.
En 1581, Catherine
de’ Medici produjo otro ballet de corte llamado: Ballet Comique de la Reine, sin embargo, su
compatriota, Baltasar de Beaujoyeulx , fue quien hizo todos los arreglos de
baile. Catherine de’ Medici y Balthasar de Beaujoyeulx fueron los encargados de
presentar el primer Ballet de corte,
tomando como base los principios de la Academie de Baif. En esta pieza se
integró la poesía, la danza, la música y la escenografía para transmitir una
historia dramática unificada.
Foto de la premier del ballet de
Tchaikovsky La Bella Durmiente (1890).
A finales del siglo
17 Luis XIV de Francia fundó
la Académie Royale de Musique en
la Opera de Paris, en donde surgió la primera compañía profesional: la compañía
de ballet, el Ballet de Opera de
Paris.
El predominio francés en el vocabulario
del ballet refleja esta historia.
El Ballet Teatral
pronto se independizó del arte, aunque todavía mantiene con frecuencia una
estrecha relación con la ópera, y de igual forma se desarrolló desde el centro
de Europa a otras naciones. El Ballet Real de Dinamarca o mejor conocido como
Royal Danish Ballet y el Mariinsky Ballet del Imperio ruso fueron fundados en
el año 1740 y comenzó a tener más fuerza, después del año 1850. En 1907, el
ballet ruso, a su vez se regresó a Francia, donde elBallets
Russes de Sergei Diaghilev y sus sucesores fueron muy influyentes.
Pronto el ballet se dio a conocer en todo el mundo con la formación de nuevas
empresas, entre ellas Londres El Royal Ballet (1931), Ballet de San Francisco
(1933), American Ballet Theatre (1937), El Royal Winnipeg Ballet (1939), The
Australian Ballet (1940), el Ballet de Nueva York (1948), el Ballet Nacional de
Canadá (1951), y el Delhi Ballet (2002).
Durante el siglo 20,
los estilos de ballet continuaron desarrollándose fuertemente, obteniendo una
influencia más fuerte en la danza de concierto. En Estados Unidos, por ejemplo
el coreógrafo estadounidense George
Balanchinedesarrolló lo que hoy se conoce como el ballet neoclásico,
estilos posteriores han incluido ballet contemporáneo y el ballet
post-estructural.
La palabra ballet
viene del francés y fue tomado por la lengua inglesa en el siglo 17. La palabra
francesa a su vez tiene sus orígenes en italiano con balletto un diminutivo
de ballo que quiere decir danza. Ballet en última instancia se origina con la
remonta a lengua italiana, Ballare significa
bailar.
Renacimiento
– Italia y Francia
El ballet se originó en el Renacimiento
durante una ceremonia en Italia.
Se dice que el ballet
fue parte de las bodas aristocráticas, en donde había músicos y bailarines con
el fin de proporcionar un elaborado entretenimiento para ellos. El ballet del
Renacimiento es muy diferente a la forma de entretenimiento teatral conocido
por el público contemporáneo. Los tutus y las zapatillas de ballet aún no eran
parte del vestuario de un bailarín de esos tiempos del renacimiento. La coreografías
se adaptaban a los pasos de baile de la corte. Los bailarines intérpretes
vestían con la moda de la época. Las mujeres debían ponerse vestidos formales
que cubrían sus piernas hasta el tobillo. A principios del ballet era muy
participativo, debido que la audiencia se unía a bailar en el baile final.
Domenico da Piacenza (c. 1400–c. 1470) ) fue uno de los primeros maestros de
baile. Junto con sus alumnos Antonio Cornazzano y Guglielmo Ebreo, fue
entrenándose en la danza, enseñándoles a sus estudiantes la belleza de la
danza. Da Piacenza dejó un pieza llamada: De arte saltandi et choreus
ducendi (En el arte de la danza y la realización del baile) la
cual fue producido por sus alumnos.
En 1489 Gian Galeazzo Sforza, duque de
Milán, se casó con Isabel de Aragon, en Tortona. Para la boda, se llevó a cabo
una elaborada pieza de baile coreografiada por el maestro italiano Bergonzio di
Botta. Las danzas estaban vinculadas a la narrativa de Jason y de Argonauts,
además cada baile correspondía a platillo diferente de la cena. Tristano Calco
de Milán escribió sobre el evento, y lo consideró como un espectáculo
impresionante.
El ballet continuó
tomando más fuerza con la estructura francesa del Ballet de cour, el cual consistía de
bailes sociales interpretados por la nobleza acompañados con música,
interpretaciones verbales, poesía, el canto, desfiles, decoraciones y
vestuarios. Cuando Catherine de’ Medici, una aristócrata italiana con interés
en las artes, se casó con el heredero de la corona francesa, Henry II, ella
trajo a su pasión por la danza a Francia y obtuvo apoyo financiero. Catherine
de’ Medici’s apoyó con los objetivos de la política y de la corte, los cuales
por lo general se organizan en torno a temas mitológicos.
El ballet continuó
tomando más fuerza con la estructura francesa del Ballet de cour, el cual consistía de bailes sociales
interpretados por la nobleza acompañados con música, interpretaciones verbales,
poesía, el canto, desfiles, decoraciones y vestuarios. La primera pieza del
ballet de cour fue el Ballet de Polonais. Esta pieza de ballet se realizó en
1573 con motivo de la visita del embajador de Polonia. Fue coreografiada por
Balthasar de Beaaujoyeulx y contó con la presentación durante una hora con
dieciséis bailarinas, cada una de la bailarinas representaba una provincia
francesa. El Ballet Comique de la
Reine (1581), que también fue coreografiada y dirigida por
Balthasar de Beaujoyeulx, producido por Louise of Lorraine, reina consorte de
Rey Henry III, hijo de Catalina, para celebrar el matrimonio de Anne de
Joyeuse. El ballet se prolongó durante más de cinco horas y fue bailado por
veinticuatro bailarines.
En el mismo año, la
publicación de Fabritio Caroso llamado Il
Ballarino, fue un manual técnico sobre el baile, tanto en la
interpretación y el efecto en la sociedad. También ayudó establecer a Italia
como un centro de desarrollo técnico de ballet.
Siglo 17 –
Francia y la Corte de baile
El Ballet se
desarrolló como una forma enfocada en la interpretación del arte en Francia
durante el reinado de Louis
XIV, quien era un apasionado de la danza. Pierre
Beauchamp, la persona que creó las cinco posiciones de los pies y las
posiciones de los brazos en el ballet, era profesor de baile personal del rey y
su socio favorito en el Ballet de courdurante
el año de 1650.
En 1661 el rey Louis XIV, tuvo la determinación
de establecer una nueva escuela de baile llamada, Académie
Royale de Danse. Beauchamp fue nombrado Intendente des ballets du roi y en
1680 se convirtió en el director de la academia de baile, cuyo cargo ocupó
hasta 168.
Jean-Baptiste
Lully, un italiano violinista, bailarín, coreógrafo y compositor, se unió a
la corte de Luis XIV en 1652, tomó un papel importante en la dirección que el
ballet tendía en el futuro. Apoyado y admirado por el rey Louis XIV, Lully a
menduo incorporaba al rey en sus rutinas. La pieza llamada Sun King para el monarca
francés, se originó en la interpretación de Louis XIV en la coreografía de
Lully llamado Ballet de la Nuit (1653).
Esta pieza de ballet fue espléndida ya que contó con una escena en donde una
parte de la case fue quemada, también incluidas las brujas, hombres lobo,
gitanos, pastores, ladrones, y las diosas Venus y Diana. La principal
contribución de Lully a esta pieza fueron sus composiciones matizadas. Su comprensión
de movimiento y la danza le permitió una coreografía inigualable, realizando
una fusión con los arreglos musicales y los movimientos de los bailarines.
Lully, también colaboró con el escritor francés Molière.
Juntos crearon un nuevo estilo de teatro llamado “commedia
dell’arte” y fue adaptado al público francés, creando la “comédie-ballet!, Le Bourgeois Gentilhomme
(1670).
En 1669 Louis XIV
fundó la Académie d’Opéra con Pierre Perrin como director. Louix XIV se retiró
en 1670, en gran parte, debido a que aumentó mucho de peso. En 1661 fundó la
escuela Adacemie Royale de danse.
Beauchamp fue el primer bailarín de ballet profesional, tenía un gran
conocimiento de la Ópera y creó las coreografía de la primera porducción de la
nueva empresa, Pomone con un arreglo musical de Robert Cambert. Después de
Perrin se fuera en bancarrota, el rey reestableció la ópera como una rama
importante de la academia y puso como director a Lully.
Beauchamp fue uno de
los principales coreógrafos. Lully, junto con el libretista, Philippe Quinault,
crearon un nuevo concepto llamado tragédie
en musique, en donde cada acto contaba con un espectáculo de
intermedio, el cual era conocido como divertissement.
El divertissement eran pequeñas presentaciones de ballet durante los intermedios
de la obra. En casi todas su creaciones Jean-Baptiste Lully creo una fusión de
arreglos musicales y drama con elementos francés e italianos. Su trabajo dejó
un legado que definiría el futuro del ballet.
Popularidad
en Europa
La corte de Francia fue en cierto modo
el modelo a seguir para las otras cortes reales de Europa. Los estilos del
entretenimiento fueron imitados, incluyendo los ballets reales. Los tribunales
de España, Portugal, Polonia, Alemania, y en otros lugares se convirtieron en
audiencias y practicantes del ballets. Además de Francia, Italia se convirtió
en una influencia importante en este baile.
Compañías profesionales de ballet
comenzaron a organizar y recorrer todo Europa, actuando para el público
aristocrático. En Polonia, el rey Władysław IV Vasa (1633-1648) propuso a su
país como sede del espectáculo de la ópera italiana, la cual incluía bailarines
de ballet en algunas escenas. Los especialistas de ballet que trabajaron para
la corte polaca eran Louis de Poitiers (maestro de ballet), Charles Duparc,
Jean Favier, Antoine Pitrot, Antonio Sacco y Francesco Caselli.
Francia y su
desarrollo en la áreas artísticas
El siglo18 fue un
período en donde las técnicas de ballet evolucionaron. Además fue el periodo en
donde el ballet se convirtió en una forma de arte dramático a la par de la
ópera. Esta evolución fue gracias al trabajo de Jean-Georges
Noverre. En la coreografía de “Lettres sur la danse et
les ballets” ( 1760 ), se encontraron pasos relacionados con la
técnica “ballet d’action” o
ballet de acción, ya que el los movimientos de los bailarines estaban diseñados
para expresar la letra de la pieza. Noverre cree que el drama del ballet debe
ser lógico y bien estructurado. Los coreógrafos, compositores y diseñadores
deben de estar al pendiente desde las primeras etapas de la planificación de un
trabajo. Todo debe de ser preciso y limpio, por ejemplo los productores tienen
que cuidar los pequeños detalles como: retirar las máscaras para lograr una
mejor expresión facial, los vestuarios deben ser recortados para mostrar la
figura de los bailarines, y que los coreógrafos deben tener una educación
amplia en donde abarque la pintura y la creatividad, ya que esto ayudará a
darle vida a las presentaciones.
Modificaciones
comenzaron a tomar parte del ballet. Christoph
Gluck fue uno de los iniciadores de estos cambios. Finalmente, el
ballet fue dividido en tres técnicas formales llamadas sérieux, demi-caractère and comique. El ballet también
comenzó a tomar parte de los intermedios de las óperas con pequeñas escenas de
bailes.
Afuera de
Francia
Venecia sigue siendo el centro de danza
en Europa, particularmente durante la época del Venice Carnival, cuando
bailarines y visitantes de todo el continente viajaban a la ciudad para un
intercambio cultural. La ciudad del Teatro San Benedetto se convirtió en un
lugar popular de la ciudad, debido a que la mayoría de las funciones de ballet
se realizaban allí. Las técnicas del ballet italiano mantuvieron una influencia
prominente en gran parte del sur y el este de Europa, hasta que las técnicas
rusas las suplantaron en el siglo 20.
Las funciones de ballet tuvieron más
popularidad en Europa durante el siglo 18, en áreas como Hungría. Se
establecieron compañías profesionales, las cuales tuvieron funciones en Hungría
y en otras partes del mundo. El Teatro Nacional de Budapest es reconocida como
el hogar de los bailarines.
Algunos de los principales bailarines
de la época que viajaron por Europa fueron Louis Dupré (bailarina), Charles Le
Picque, Anna Binetti, Gaetano Vestris y Jean- Georges Noverre.
Siglo 19
La bailarina se convirtió en el
intérprete de baile más popular en Europa durante primera mitad del siglo.
Sucedió una gran transformación, puesto que hubo una disminución de popularidad
entro los bailarines. En muchas obras, los héroes de ballet eran interpretados
por mujeres, como el personaje principal de “Pantomime”.
La profesionalidad de las compañías de
ballet se convirtió en la cuna de una nueva generación de maestros de ballet y
de bailarines. Viena tuvo una gran influencia en los que practicaban ballet. El
primer maestro de ballet del Teatro Nacional y de Ópera Real de Hungría fue el
Frigyes Campilli, quien trabajó en Budapest por 40 años.
El siglo 19 fue un período de grandes
cambios sociales, lo cual también se vio reflejado en el ballet puesto que se
comenzaba a perder las sensibilidades aristocráticas que había dominado durante
tantos años en el ballet romántico. Bailarinas como Geneviève Gosselin, Marie
Taglioni y Fanny Elssler experimentaron con nuevas técnicas tales como el
trabajo en punta. Taglioni era conocida como la “bailarina cristiana”, ya que
su imagen era ligera y pura (asociada con su papel en la pieza La Sylphide).
Ella fue entrenada por su padre Filipo Taglioni. En 1834, Fanny Elssler llegó a
la Ópera de París y se convirtió en la Bailarina Pagana, debido a sus buenas
cualidades de poder interpretar la danza “Cachucha”, la cual la hizo famosa.
Maestros como Carlo Blasis codificaron esa técnica de ballet que aún se usa hoy
en día.
Movimiento
romántico
El movimiento
romántico en el arte, literatura, y el teatro fueron reacciones en contra de
las restricciones formales y los mecanismos de la industrialización. El zeitgeist llevó a los coreógrafos a componer
ballets románticos que tenían como característica la luz, y movimientos de
libertad y de fluidez, los cuales contrastarían con la difusión de la ciencia
reduccionista a través de muchos aspectos de la vida diaria. Estos bailes
“irreales” retrataban a las mujeres como seres sobrenaturales con una extrema
frágiles, que se podían levantar sin esfuerzo y casi parecían como si flotaran
en el aire. Las bailarinas comenzaron a usar disfraces de colores pastel, con
faldas que llegaban hasta los tobillos. Un ejemplo del movimiento romántico es “La Sylphide” , uno de los bailes románticos
más antiguos que aún es interpretado por bailarines contemporáneos.
El movimiento romántico era una nueva
exploración de folklore y de la cultura tradicional, la cual comenzó a tomar
parte del folklor de Europa, África, Asia y Oriente Medio. En el ballet de esos
tiempos los bailarines eran caracterizados como villanos o como bufones, para
que se pudieran adaptar al “Orientalismo”. La Ópera Nacional de Ucrania, teatro
dedicado a las artes escénicas, se estableció en Kiev en 1867. Para 1893, esta
compañía creció lo suficiente para tener grandes presentaciones de bailes de
ballet.26
Muchas compañías de ballet europeas aún
existen hoy en día y siguen estableciendo nuevos teatros de ópera en todas las
ciudades de Europa durante el siglo 19, incluyendo el Kiev Ballet, el Ballet
Nacional de Hungría, el Teatro Nacional de Ballet (Praga) y el Ballet Estatal
de Viena. En estos teatros había un espacio para la ópera, el drama y el
ballet. Compositores, dramaturgos y coreógrafos fueron capaces de crear obras
que capturaban la fusión entre estas tres vertientes de arte.
Rusia
Mientras que Francia jugó un papel
decisivo en el ballet, otros países y culturas adoptaron pronto esta forma de
arte, sobre todo Rusia. Rusia tiene una gran tradición de ballet, y el ballet
ruso ha tenido una gran importancia en su país a lo largo de la historia.
Después de 1850, el ballet comenzó a disminuir su fervor en París pero comenzó
a tener más popularidad en Dinamarca y Rusia gracias a maestros como August
Bournonville, Jules Perrot, Arthur Saint- Léon, Enrico Cecchetti y Marius
Petipa.
A finales del siglo XIX, el orientalismo
estaba de moda. El colonialismo trajo a la vista las culturas de Asia y África,
pero no tenían una buena consistencia debido a la malos recursos de información
y la fantasía. El este era percibido como un lugar muy lejando en donde todo
era posbile, siempre era espléndido, exótico y decadente. Petipa siguió el
gusto popular produciendo “La hija del Faraón” (1862), y más tarde “El
talismán” (1889 ) y “La Bayadère” (1877 ). Petipa es recordado por sus
colaboraciones en “Tchaikovsky”. Él utilizó una música especial para su
coreografía del “Cascanueces” (1892) , de “La Bella Durmiente” (1890 ) , y el
“Lago de los Cisnes” (1895) .
Estas obras fueron influenciadas por el
folklore europeo.
El ballet
alcanza un “Mundo Nuevo”
Compañías de ballet
de Europa comenzaron giras lucrativas en los teatros de Norteamérica,
Centroamérica y América del Sur, a mediados del siglo 19 . El prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires,
Argentina, ha sido sede de bailarines extranjeros. Por la década de 1880,
el Teatro Colón tuvo su propia
compañía de ballet profesional.
Siglo 20 y el
modernismo
Rusia y el
Ballets Russes
Trajo el ballet a
Paris cuando él abrió su compañía, Ballets
Russes. Estaba compuesto por bailarines de la comunidad francesa que
habían sido exiliados de la Revolución Rusa.
Diaghilev y el
compositor Igor Stravinsky fusionaron sus talentos para traer el folklore ruso
a en “El pájaro de fuego” y “Petrushka” con coreografía de Fokine. Otra
coreografía de Diaghilev fue dada a Nijinsky. Su primera pieza de ballet fue L’apres-midi d’un Faune (Afternoon
of a Faun) con música de Debussy. La presentación con más controversia del
Ballets Russes fue “The Rite of Spri”, coreografiado por Nijinsky con música de
Stravinsky. La música moderna de ballet, las nuevas posturas de los pies y el
tema de los sacrificios humanos creo en el público un sentimiento de desagrado.
Después de la “edad de oro” de Petipa,
Michel Fokine comenzó su carrera en San Petersburgo , pero se mudó a París y
trabajó con Diaghilev y los Ballets Russes.
El Ballet ruso
continuó su desarrollo bajo el dominio soviético. Quedaba poco talento después
de la revolución, pero esa pequeña porción de talento hizo que se expandiera a
las otras generaciones. Después de un estancamiento en la década de 1920, a
mediados de la década de 1930 la nueva generación de bailarines y coreógrafos
apareció en escena. Se promovió la perfección en la técnica y la precisión en
la danza. Agrippina Vaganova, quien fue
entrenado por Petipa y Cecchetti, encabezando la Academia
de Ballet Vaganova. Esta escuela fue diseñada para entrenar a bailarines
para el Ballet Kirov en San
Petersburgo/Leningrado.
El ballet obtuvo una buena posición en
el gusto del público. Las compañías de Moscow Bolshoi y la de St. Petersburg
Kirov fueron muy populares en el público.
Algunas piezas de la época tuvieron un
gran impacto como la de “Romeo y Julieta” producido por Prokofiev y Lavrovsky.
La pieza, “Llamas de Paris”, muestra todas las facetas del arte realista
socialista. La pieza “Fuente de Bakhchisara” con música de Boris Asafiev y
coreografía de Rostislav Zakharov fue todo un éxito.
El ballet reconocido
de “La Cenicienta”, en la
cual Prokofiev creó la música, también fue creación del ballet soviético.
Durante la era soviética, estas piezas en su mayoría eran desconocidas. Sin
embargo, después del colapso de la Unión Soviética estas piezas obtuvieron una
gran popularidad.
En 1999 se llevó a
cabo el estreno de la pieza “The Fountain of Bakhchisarai” por el Ballet Kirov
en Nueva York. La era soviética del ballet ruso puso mucho énfasis en la
técnica, el talento y la fuerza. Se exigía la fuerza para todos los nuevos
bailarines occidentales novatos. Cuando se ve los archivo que se pudieron
recuperar, se pode ver la gran técnica y talentos de bailarines como Galina Ulanova, Natalya Dudinskaya y
Maya Plisetskaya y coreógrafos como Pyotr Gusev.
Las empresas rusas, en particular
después de la Segunda Guerra Mundial, tuvieron muchas presentaciones alrededor
del mundo.
Estados
Unidos
Tras el traslado del Ballets Russes a
Francia, el ballet comenzó a tener una influencia más amplia, particularmente
en los Estados Unidos.
Desde París, Fokine fue a Suecia y luego
los EE.UU. y se estableció en Nueva York. Él creía que el ballet tradicional
ofrecía más que movimientos bonitos y una exhibición atlética. Además de una
buena técnica, exigía: drama, expresión y una autenticidad histórica. El
coreógrafo tuvo que investigar el contexto el cual él se encontraba y así
decidió rechazar el tutú tradicional y propuso una tendencia de vestuario más
contemporáneo.
Fokine coreografió
“Scheherazade” (Rimsky -Korsakov) ” y “Cleopatra”. También retomó las piezas
“Petrushka” y “El pájaro de fuego”. Una de sus piezas más famosas fue “La
muerte del cisne”, interpretada por Anna
Pavlova. Más allá de sus talentos como bailarina, Pavlova tenía el
potencial para llevar a cabo las demandas que Fokine tenía en el momento de
coreografiar la rutina de ballet. La leyenda cuenta que Pavlova se identificó
tanto con el papel de cisne que ella pidió que cuando muriera la vistieran con
el disfraz del cisne.
George Balanchine desarrolló una de las
mejores técnicas en América cuando abrió la escuela en Chicago, y en Nueva
York. Adapto el ballet a los nuevos medios de comunicación, el cine y la
televisión. Con esa gran técnica, Balanchine, realizó una nueva coreografía de
clásicos como “Lago de los cisnes” y “La Bella Durmiente”, así como la creación
de nuevos ballets. Él produjo interpretaciones originales de los dramas de
William Shakespeare como: “Romeo y Julieta”, “The Merry Widow” y “A Midsummer
Night’s Dream”.
En 1967, las Joyas de Balanchine
rompieron con la tradición narrativa, puesto que en vez de dramatizar un trama
se dedicó a dramatizar un tema. Esta nueva idea encajaba con lo que se proponía
en Estados Unidos de buscar la libertad de pensar y expresarse. Hoy en día,
grancias a Balanchine, el ballet es uno de los bailes mejor perservados en el
mundo.
Barbara Karinska era
una inmigrante rusa, la cual colaboró con Balanchine para mejorar el arte del
diseño de vestuario. Ella introdujo el corte llamado “bais cut” y un tutú clásico que permitía al
bailarín tener mayor libertad de movimiento. Con una atención meticulosa a los
detalles, decoró su tutús con abalorios, bordados y aplicados de tela.
Ballet
neoclásico
Se dice que George Balanchine fue el
primer pionero de lo que hoy es conocido como ballet neoclásico, utilizando un
estilo de danza entre el ballet clásico y danza contemporánea de hoy. Tim
Scholl, autor de “De Petipa a Balanchine”, consideró a la pieza “Apollo”
(1928), para ser el primer ballet neoclásico. “Apolo” representa de una forma
la respuesta que el coreógrafo Serge Diaghilev tenía. “Apollo” y otras obras
aún se realizan hoy en día, sobre todo por el Ballet de Nueva York.
Frederick Ashton es otro coreógrafo
prominente asociado con el estilo neoclásico. Tres de sus obras se han
convertido en piezas muy reconocidas en el repertorio internacional: Sylvia (
1952 ), Romeo y Julieta (1956), Ondine (1958 ), y Margot Fonteyn.
Época
contemporánea
Una bailarina que
tuvo como maestro a Balanchine y absorbió gran parte de este estilo neoclásico
fue Mikhail Baryshnikov. Tras el
nombramiento de Baryshnikov como director artístico del American Ballet Theatre
en 1980, trabajó con diversos coreógrafos modernos, sobre todo con Twyla Tharp.
Tharp coreografió “Push Comes To Shove” para ABT y Baryshnikov en 1976. En 1986
creó “In The Upper Room” su propia compañía. Ambas piezas fueron consideradas
innovadoras para el uso de movimientos modernos y por el uso de zapatos de punta.
Ahora los bailarines estaban utilizando la técnica del “ballet contemporáneo”.
Tharp también trabajó con la empresa
Ballet Joffrey, fundada en 1957 por Robert Joffrey. Ella coreografió Deuce
Coupe para esa compañía en 1973. En donde se utilizó música pop y una mezcla de
técnicas modernas de ballet. El Ballet Joffrey continuó realizando numerosas
obras contemporáneas, las cuales muchas fueron coreografiado por Gerald Arpino.
Hoy en día hay muchas
compañías contemporáneas con una técnica más innovadora y con coreógrafos con
nuevas rutinas. Estas nuevas compañías incluyen al Ballet de Madrid, Royal
Ballet de Flandes, Alonzo Rey y su compañía, Alonzo King LINES Ballet, Nacho
Duato y Compañia Nacional de Danza, William Forsythe , quien ha trabajado
extensamente con el Ballet Frankfurt y en la actualidad trabaja en The Forsythe
Company, y Jiří Kylián, que actualmente es el director artístico de Nederlands
Dans Theatre. Tradicionalmente las compañías “clásicas”, como el Ballet de
Kirov y el Ballet Ópera de París llevan a cabo con regularidad obras
contemporáneas. Fuente
Wikipedia.com
Fuentes
·
Anderson,
Jack (1992). Ballet & Modern Dance: A Concise History (2nd ed. edición). Princeton, NJ:
Princeton Book Company, Publishers. ISBN 0-87127-172-9.
